艺术| 2022“策展与未来”青年策展人系列学术座谈活动从多个维度探讨策展学科的发展与挑战

近日，由中国美术家协会策展委员会、中华世纪坛艺术馆主办，北京市美术家协会策展委员会协办的2022“策展与未来”青年策展人系列学术座谈活动相继举办。此次座谈活动由4位学术召集人，4位学术评议人，22位青年策展人，共话“策展与未来”。

在启动仪式上，中国美术家协会主席、中央美术学院院长、北京美术家协会主席范迪安发表了主旨演讲，他讲到：青年策展人活跃于艺术创作和展览传播的现场，为各地各类艺术博物馆、美术馆、公共文化空间策划了许多立意新颖、视角独特的展览，展现了丰富的策展思路与创新实践。在今天，推动新时代文化的高质量发展是我们共同的目标，在新的时代条件与全球当代艺术发展的文化语境中，策展在中国获得新的机遇，也面临新的挑战，因此特别需要青年策展人同行们以更加全面和综合的能力来面对比较复杂的艺术现实，需要加强学术的研究、学理的研究和实践的创新。他希望青年策展人首先要坚定策展服务公众的文化立场与态度，以高质量的展览回应社会的文化需求；要思考展览主体的当代意义，体现中国文化自信；要坚持策展的原创性；要培养跨学科的协作能力。

第一场｜时代之变与策展语境

本场学术议题的召集人，北京美协副主席、北京画院院长吴洪亮以“策展也是一种提问的方式”进行了分享，他指出，策展要提出问题、研究问题，以及呈现问题，艺术展览经常是一个提出问题的方式，甚至提出的问题，有时也会成为预言。如2019年威尼斯双年展的主题“愿你生活在有趣的时代”就是引自上世纪30年代，世界正处于一战结束、二战还未开始，金融危机蔓延时，奥斯汀·张伯伦讲的一句话。而在2019年谈论这个主题的时候，全球化的壁垒还没有那么强烈，疫情还没有发生，但是策展人已经预知到这个世界可能要从一个美好的小时代进入大时代的边缘了。作为策展人，我们提出的主题虽然有所不同，但是借用艺术家创造性的作品去表达时代与历史，我们是有责任的。

随后，吴洪亮又介绍了以问题为驱动的北京画院美术馆自己的展览工作手册，选用12个重要的问题，借用时钟的比喻提出12个展览工作中循环往复的问题，并以策划研究齐白石作为案例，呈现这个循环工作的过程。此外，他还分享了在故宫博物院、苏州博物馆等处策划展览的理念和工作方法。

四川美术学院美术馆展览部主任杨彪，结合对西方艺术史的认知及中国策展的发展和变迁提出了中国策展制度的系统建构问题。首先他对策展的概念进行了梳理，其次，对策展学科的发展以及困惑提出了见解，第三，从策展理论的系统建构，提出了观点。其中，他认为，强调学科本身的建设是及其重要的，在欧洲的艺术史学发展中如果不致力于学科自身的价值体系建设，最后不仅会丧失自身的价值，而且对整个学术界作出的贡献也会漠视。对于策展的形成进行回望与展望，研究过去是为了更好地规划未来，梳理是为了完善策展科学合理的模式，伟大的策展同样也是伟大的艺术家与思想家。这需要各位同仁共同努力，保障和发展策展系统知识的建构过程。

今日美术馆副馆长晏燕谈到美术馆作为知识生产的机构，倡导策展式写作，即用艺术策展书写当代艺术。但随着互联网2.0时代的到来，艺术机构越来越重视公众在今天文化体验和传播过程中的重要作用。因此，公众的趣味成为美术馆策划和选择展览的重要参照因素，甚至观众的参与成为构成作品不可或缺的部分。例举展览案例包括2020年举办《范勃：无形的剧场》，艺术家将疫情比喻成“无形的剧场”，每位参与其中的观众都成为这场戏剧的“演员”。

湖南美术馆策展部负责人何玲，分享以艺术家身份介入策展工作的多年经历中，他做的大部分展览是跳出“艺术圈”的跨界式融合，在运用互联网思维进行展览的内在逻辑策划与转化呈现之中。新的时代彻底改变了这个时代的知识生产模式，传播方式，去中心化、信息扁平化、资源的开放性、身份的平等性，各节点之间产生多元文化的差异性，文化之间的美学关怀不再完全建立在西方主体价值观的文化之下。新的时代、艺术本身的边界在不断碰撞中拓展。最后，他指出以开放性、参与性的主动意识构建与观众交流的新渠道、新场域、新语境。再与当地文化跨界融合，相互渗透，来共享编织多方面的链接勾建可能……

中央美术学院美术馆设计部主任纪玉洁探讨的是“可持续”意识的唤醒与激发。她指出，从全球策展语境来看，对环境、生态可持续的关注与讨论已经成为学术共识。近年来，相当一部分设计类博物馆、设计年展将策展视角集中于低碳未来、循环经济、气候正义、材料生态等可持续发展问题。“可持续”成为一个无法绕开的时代议题，对于它的研究具有现实和学术双重意义。她从知识生产——展览主题与理念，话语生成——展览逻辑与结构，视觉叙事——展览作品与展览设计，社会互动——展览教育与传播四个方面分析阐释了如何通过策展的全流程体现“可持续”的核心理念。

广州美术学院美术馆常务副馆长、人类学博士陈晓阳主要探讨的是区域研究与历史研究之间的关联并通过策展案例来进行展开。为什么区域研究对今天的当代艺术策展和美术馆策展会有一定的意义？她表示，区域研究通常通过对个案区域进行深入系统了解，可以贡献与历史研究不同的观察视角，通过个案的深入研究寻找到的方法还具备解释其它相似区域文化结构的可能，是与历史研究互为补充的观看路径。人类学非常强调整体论的方法，它可以提供跨区域社会的观察和比对，尤其在全球化时代以及后全球化的今天，可以通过对某一个区域的理解尝试去理解世界上其它相关问题，帮助我们更好地去理解世界的动态变化。

独立策展人段少锋博士从时间谈起，他谈到“2020年以来我对于时间的感受变得迟钝了，仿佛三年的时间变成了一段时间，那么时间到底去哪里了？今天我们生活在一个节奏更快的时代，这些无不与科技进步带来的通讯和交通便捷有关，科技把我们对于空间和时间的感受压缩了，互联网成为了另外一种公共空间，尤其2020年以来我们的自媒体或者社交网络变成了一个巨大的公共虚拟空间。延伸到这两年关于NFT和元宇宙的讨论提供了公共性另外一种可能性，除此之外还有设计对于视觉文化的主导作用日益彰显，电子图像和屏幕成为了今天艺术面对的总的大的语境，屏幕使得环境越来越公共化。从第一年的全球语境下的中国文化表达，到第二年的无墙美术馆的实践，到今天的时代之变，公共性是一个时代之变中不变的话题。”

第一场座谈活动的圆桌讨论环节现场，现场发言人从左至右为：纪玉洁、吴洪亮、张晴、何玲、晏燕、段少锋。陈晓阳、杨彪线上连线并参与讨论

学术评议人，四川美术学院美术馆馆长何桂彦总结道：“杨彪博士的发言背后基于对中西方展览制度和发展沿革的研究，做了横向的比照，视野开阔。年轻学者能够把中国的展览实践放在过去四十年中国当代的历史发展语境，注意它自身的特点，以及在各个时期的所面临的问题，由此得出了自己的结论，核心的路径是中国展览的发展必须取决于学科的完善，有自己的元理论，特别是在新的历史时期和全球化的背景之下，中国身份的构建和文化认同也是十分关键的。在晏燕馆长的发言当中，她谈到了一个非常重要的话题，也是美术馆在面对公众，面对社会，面对一座城市的核心问题——就是受众与趣味。今日美术馆作为民营美术馆的代表，做了大量的展览与学术活动。晏燕认为，作为知识生产的美术馆在今天已经拓展到一个博物馆的2.0时代。其功能的一个转向，是以公众作为主体，注重参与式的构建，由此，观众从过去的消费者到生产者，从过去的被动到主动，甚至介入到展览意义的生产过程之中。何玲长期是作为艺术家的身份，这种经历与身份让他更能以艺术家的眼光，去理解展览如何跟观众，跟社区，跟一座城市发生关系。这几年，他策划了很多展览，在我看来，这些展览都有一些共性，强调本地性，重视对长沙艺术生态的推动，特别是基于青年艺术群体的挖掘和汇聚，由此形成一种非常健康或者是有活力的城市艺术生态。纪玉洁老师分享了以‘万物生息：后石油时代的材料与设计’的个案，从展览主题的选题，到学术上的筹备，包括展览团队的搭建，工作坊得体推出，公共美育项目的实施，提供了一个非常好的展览样本。因为她的学科背景是设计，因此，这个展览总体的视觉，包括海报、画册等都非常系统，也很强调细节。这个展览完全可以作为我们本科、硕士策展专业的同学学习的个案。陈晓阳馆长是非常资深的学者，她介绍了她的策展思路，即从社区的概念如何切入，如何发展，并且如何从一个展览生成出一系列的学术成果。另外，通过她的展览实践，我们也能感受到今天当代艺术展览，其策展方式和工作方式发生的变化，包括社会调查，对空间的改造，更重要的是跨学科知识的融汇，都非常具有启发性。段少锋博士在他的发言中十分强调对全球化的思考，从宏观到科技环境，到艺术生态，包括今天科技媒介方式急剧变革的背景下，对人们的存在方式、私人空间和公共场域的关系等带来深刻的变化。正是基于上述理解，我们看到他在这几年所做的一些展览。这些展览注入了新的思路，内在的知识逻辑也在发生变化，同时，我们还能够感受到展览充满了朝气和活力。吴洪亮院长除了是优秀的策展人，同时也是中国美协策展委员会秘书长，在推动中国的策展学，构建策展领域的知识共同体等方面，做了很多的工作。在今天的发言中，他重申了一些基本概念，比如美术馆的功能是什么，什么是当代艺术？策展与公共美育是怎样的关系？他分享了十几个核心的概念与策展环节，同时结合具体的个案展开分析，从某种意义，通过吴馆长的发言，我们也能看到中国今天的艺术界和策展界面临的困境和未来的挑战。”

第二场｜以教育为立场的策展

本场活动的学术召集人、中央美院美术馆副馆长高高的演讲主题是，“提供知识探索的多种可能，以中央美院美术馆的展览经验为例”，她提出，以美术馆的展览为例，可以说所有的工作都是围绕着教育展开的，教育是美术馆的终极功能。在围绕教育目标策划展览的时候，会考虑以下因素：在策划过程中，既要考虑目标观众，但是又要面对多元化的观众群体，在展览传达的时候，就要考虑到如何使得不同类的受众，在展览中有所收获，通过内容多维的链接，视觉氛围的营造，以及多类型的传播渠道等来构建知识的网络。展览中有公众互动性参与的内容也需要在策展的时候提前规划和构想。并分享了美术馆在中国古代美术、近现代美术和国际艺术展览等方面的相关案例。

教育策展人燕柏彤以“教育策展，共思与共创”为题进行了分享，“一滴水一世界”少儿科技艺术展，就是希望可以通过艺术科技跨界教育的方式，培养少儿全球素养。她表示，当我们选择教育策展这个方式去传达我们向公众传达的教育意义的时候，我们给了自己一个定位，希望可以通过艺术性、科技性、教育性以及国际性，去打造场景化、体验式的创新教育模式，来培养每个人的全球素养。在这个项目的基础之上，做了两件事情的创新，一是融入了科技元素，二是融入了孩子们本身的共创。希望做的是以孩子为中心的教育，以公众为中心的策展。

中国艺术研究院雕塑院常务副院长郅敏围绕“2022第五届青少年雕塑作品展览”展开演讲，他首先介绍了该项目的背景及活动设置，参展作品是在全国投稿作品中遴选出入选作品并分年龄组来进行。并总结了通过作品所观察到青少年创作的三个趋势，第一，要表达的前提是观察，通过创作作品，首先要调整或者培养你对世界新的观察方式；第二，提倡新的家庭美育陪伴方式，孩子提出一个议题，定会得到父母、伙伴、同学、老师及关心他的人的一种回应。在回应的过程中，共同学习、共同分析，过程是极具收获性的；第三，回到雕塑及艺术语言本体，回到本真的物质，物质的手感，物质的视觉，通过物质及背后的文化所发生关联。

山中天艺术中心公共教育部负责人张宇飞通过目前正在进行的项目“十点睡觉Kids+：家舞台”进行了分享。作为项目负责人，他的提案之初受到了建筑师Palle Nielesn的影响，他希望儿童的玩乐也可以成为一场有趣的展览。在儿童项目“家舞台”中，建筑师金秋野的灵感来源于他对“家宅”多维的研究，以及“废墟”带来的不可控的舞台感。“搭建”中的家与“拆解”后的废墟，成为儿童在展览中重要的行为一。这些行为在展览中可称之为玩、即兴与表演……为了更好提高儿童的体验感，也设计了许多模块的玩法，包括戏剧家、插件家、工作坊等，用于丰富整个展览，他表示：未来将立足于建筑、空间、体验等进行多形式、多媒介的儿童公共教育探索和实践。

湖北美术馆策划部主任夏梓以“学院空间与社会空间——馆校合作视域下的策展实践”分享湖北美术馆多年来持续实施的展览项目——学院空间艺术计划。她首先介绍了湖北美术馆立足本土，基于武汉本地丰富的高校资源和庞大的青年艺术创作群体，在馆校合作的推动下开设了该项目，并分享了所实施的多个展览案例，最后她总结到通过馆校合作，一方面推动了美术馆传统的收藏、陈列职能，面向公众服务职能的积极转型。另外，对于学校而言，也因为引入外部资源和更多合作空间拓展了教育职能的边界。“馆校合作”应是基于教育本身的深度合作。

陕西省美术博物馆策展人郝伊通过研究与实践分析，探讨艺术家转型为策展人的艺术现象。她通过对中国策展教育背景、艺术家转型为策展人的优缺点，以及策展工作对艺术创作的利与弊进行分析。在“相互介入——艺术家与策展人的身份互换”演讲中她指出，艺术家担任策展人的优势在于艺术家创作的理念是勇于创新，突破自我，不按常理出牌，会在展览中带来令人惊讶的效果。反之，策展人因其较为综合的职业性质，接触面较广，可以站在一个较为宏观的角度去审视艺术作品，能从众多优秀的作品中获取有益的创新观念，弥补自身的不足。但同样也有弊端的存在。她总结到：策展对于策展人或者艺术家来讲，无异于一次主题性的创作，展览就是策展人的艺术作品。

第二场座谈活动圆桌讨论环节现场，现场发言人从左至右为：盛葳、高高、郅敏、燕柏彤、张宇飞；夏梓、郝伊线上连线并参与讨论

本场活动的学术评议人，《美术》杂志副主编、编审盛葳首先对本场学术议题进行了归纳性概况，并进行了评议，他指出：“高高馆长和夏梓主任的分享作为以学院派为背景，她们都是从国家公立的美术馆出发讨论问题，高高馆长谈到的三种方式，以及不同的实现方式，有理性的、系统的观点，对于这种定位的馆，他们需要服务更广大的人群，需要考虑到更多面向、不同人群，既有小孩的，也有大人的，还有老人的，还有周围社区的，需要小步快走的方式来发展。同样，湖北美术馆的馆校结合项目通过多年的努力与尝试把本土院校和其他省市地方的学院艺术家进行有效联动，借力拓展美术关教育理念与方法的有效性。燕柏彤、郅敏、张宇飞他们都是谈儿童或者少年儿童的项目。燕柏彤女士提出了教育策展，思路也是非常清晰，也给我们提供了一些思考，首先是理性的策展和设计，再邀请孩子们进入，输出，制作。燕柏彤说她们的项目是For Kids, By Kids，那么郅敏先生的项目正好相反，是By Kids, For Kinds，首先是征集作品，有了素材后再组织一个项目。这个项目中最有意思的作品是12岁以下的，入选数量也最高，因为他们的创造力很强，而12岁以上则处在一个创造力相对不足，但同时专业造型能力也相对不足的情况，从这个项目中，可以思考一个问题，如何更好的服务于12岁以上的少年儿童教育？他们的年龄段应该有怎样的调整？针对这个年龄段的项目比较少。张宇飞先生介绍搭建空间的项目，非常有趣，其中有些合作的项目，在这个疫情期间我就发现孩子们特别喜欢这样的东西，纸盒子，帐篷，就算在家里搭一个纸盒子他也非常高兴，他会产生新的想法，又不仅仅是干一个事，如果在一个公共空间提供这样的项目，他就有一种合作的可能性，比如搭积木那个东西，一个小孩子拿不动，会有几个孩子一起合作，这对于少年儿童成长无疑是有利的。郝伊的分享也是我曾经关注过的现象，关于艺术家和策展人的关系，我在七八年前写过一篇文章，作为艺术家的策展人和作为策展人的艺术家，在艺术创作、展示和传播产业链扩大、延长的背景下，我觉得很多艺术家越来越像策展人，尤其是经验丰富的艺术家，他们具有很强的项目运作和经费预算的能力，具有很强的执行能力，不再是梵高式的坐在画室里画画的个体艺术家。这对于策展人提出了非常高的挑战，还要策展人干嘛？同样，如郝伊所提出的，策展人需要有激进的创意，更有想象力的方案，就像艺术家的创造一样，我们的时代发展对策展人的要求越来越高。”

第三场｜艺术赋能与文旅融合

本场活动的学术召集人、中央美术学院教授、广州美院新美术馆学研究中心主任、中国美术家策展委员会副主任王璜生的演讲主题是，“艺术赋能文化旅游是一项系统工程”，他提出，作为区域，包括政府，往往更为重视的是一个区域整体上的文化发展，有可能给这个区带来什么，包括形象，人文，经济，各方面新的可能性，或者说一种形象。国内在相当长时间还是比较重视的，也产生过一些相关的实践，在国外，他们的经验或者历史更为丰富、长远，甚至是操作系统，体制方面都更为完善。在这个过程中，作为艺术赋能文化旅游，如何将它从社会的层面跟文化层面对它的系统工程进行观察跟研究是极其重要的。要考虑到作为一个系统工程的策划和建立一种机制，一方面是社会的机制，另外一方面是文化的机制，只有两者达到同步协调发展的情况下，才能成为持续的具有品牌的项目。随后，他分享了威尼斯双年展、爱丁堡国际艺术节、巴塞尔艺术博览会和国内的乌镇戏剧节、平遥摄影节、广州三年展等方面的相关案例，并分析了其成功的原因及目前发展的壁垒。

国家艺术基金管理中心助理研究员姚珊珊以“文化和旅游的中间地带，文旅融合政策下的乡村公共空间建设”为题进行了分享。她首先介绍了国内文旅融合相关的政策，结合乡村文旅融合案例，从文化挖掘、保护、传承、传播等角度，讨论乡村公共空间作为一种文化记忆的媒介空间，在文化和旅游的融合中起到的中介作用——它既保护乡村传统文化，又容纳游客的观看和互动，在双向参与下让乡村文化更具弹性和可持续性。之后她谈到，在乡村公共空间建设中，“策展”拓展为更广泛的策划概念，表现为一种关于文化和空间的整体策划，能够协同艺术实践赋能乡村文旅融合。

北京大学前沿交叉学科研究院博士后薛江围绕“策展思维X文旅融合”展开演讲，他首先强调了对主题“X”的使用并不是简单的叠合，而是成倍式的无限想象力，有无限发展空间的课题。聚焦了文化遗产价值的重构，作为纪念碑的石窟寺遗址博物馆，在文旅融合的语境下，以重构文化遗产为出发点，以石窟寺遗产为主要内容，从策展思维方式来探讨未来博物馆的构建方式，他认为，重构文化遗产的完整性，成为今天文旅融合的重要课题，石窟寺如何能够重新构建完整的文化遗产，让大家在文旅融合过程中欣赏、体验和传承，是一个重要的议题。最后通过埃及大博物馆的案例，总结提炼策展先行的理念，这种策展先行是建立在对文化遗迹的尊重与保护传承，同时兼顾到科技策展以及对历史观的把握。

广州美术学院艺术与人文学院的沈森以“美术馆、区域艺术行动作用城市再生的可能”为题进行了分享，他指出，文旅行业在当下处在非常重要的转型阶段，这样一个转型阶段同时也面临着相对应的挑战以及挑战带来的一些机遇。在进行了大量的数据统计面前，他进一步提出了一个问题，关于流动性的问题，在受全球疫情影响的特殊时期，因为远距离的出行及在时空上的限制，艺术以何种方式为我们城市的文化生产，包括对城市历史记忆的存续，对社区的再生与公共的心理需求赋予行动。带着这样的问题，他通过这几年艺术行业内的一些表现，观察到了很多公益机构，包括美术馆，包括艺术团体所做的一些艺术方面的实践，他以“附近的回归”为角度，举例了社区参与式实践、城市漫游、数字化，互联网下的云语境对公共的联结。最后他提出，当我们在谈论立足社区和基层的新型公共文化空间时，事实上也在讨论如何让公众通过探索自身咫尺之处的生活空间，形成观看世界的独特视角，获得由新的艺术行动带来的文化体验，这对艺术赋能和文旅融合而言是一个可以进一步拓展的议题。

新疆美术馆展览部负责人张利军分享主题是：“艺术乡建，新疆之我见”，他讲道，我们先后对农村文化大院给予了政策和资金扶持，使得新疆广大农村有艺术性的熏陶，增加了农民基层文化的生活。艺术活动促进了美丽乡村建设和乡村旅游，同时也改变了农村的思想观念转变。目前有四方面力量在进行推动，主要是当代艺术家持续对乡村的关注，国家的行政资本力量的推动，公益组织做的扶持和支持，还有是人类学的艺术学者持续对乡村的关注。随后，他介绍了多个案例，并总结道：艺术家持续介入乡村，主要是当今社会的转型和科学进步，高速公路和高铁网络的发展，使得乡村不再偏僻，也成为艺术家活动的舞台，使得艺术家在乡村有很大意义，成为了新的文化之地。

第三场座谈活动圆桌讨论环节现场，现场发言人从左至右为：冀鹏程、王璜生、薛江、姚珊珊；沈森、张利军线上连线并参与讨论

本场活动的学术评议人，中华世纪坛艺术馆执行馆长、中国美术家协会策展委员会副秘书长冀鹏程对本场学术议题进行了评议。他指出：“王璜生馆长认为策展既是社会系统工程又是文化系统工程，在策展的过程中除了基于艺术本体角度要从美术学，人类学，社会学等出发，还要结合管理学、经济学、政治学，市场学等思维和方法进行策展实践。姚珊珊研究员介绍了国家艺术基金管理机制和运行模式，并列举了多项中国特色的文化事业运行机制。特别是针对乡村振兴背景下的艺术乡建如何开展，提出了创造性的解决方案，即是在乡村和旅游者之间建立一个可以相互理解、容纳、缓冲和过渡的公共空间地带，逐步形成链接，才有可能形成共建，而不是将城市经验与模式直接介入、强行植入。薛江老师提出建设石窟寺遗址博物馆对文物保护和挖掘文化遗产价值的独特意义。并以埃及新博物馆群建设为例，介绍了埃及政府将新博物馆的主体建筑与金字塔群以及周边遗址进行了整体规划，运用互联网与高科技打造了世界各博物馆之间的信息高速公路，以此来重塑埃及的国家人设。这是埃及贡献给世界文旅行业的埃及方案，对我们有非常重要的启示作用。沈森老师梳理了文旅行业的发展历程，也思考了艺术应该以何种方式为城市的康复和生产的恢复来做赋能。通过策划一些参与式的项目介入社区的营造，在短时期内帮助我们有了些许慰藉，但更重要的是重塑什么样的人文精神的价值观，把我们精神意义上的“附近”找回来，物理意义上的空间赋予精神意义上的温度，这对于美术系统，美术学院是个非常重要的课题。张利军主任分享了新疆正在开展的一些艺术乡建活动，让我们看到了边疆地区的文化新作为。新疆自古以来就是中华文化和西方文化非常重要的交流融合场域，新疆美术馆在艺术乡建的课题或者展览中也应该深度挖掘历史上的不同文明交流互鉴的经验和价值，更应该发挥创造力和想象力去推动“一带一路”沿线国家的美美与共与民心相通。”

第四场｜数字时代下的艺术生态

本场活动学术召集人中国美术馆副馆长、中国美术家协会策展委员会副主任张晴在《数字时代下的艺术生态》的发言，首先回顾了2004年在中华世纪坛举办的“首届北京国际媒体艺术大展暨论坛”当时汇聚了全球的科学家、艺术家、学者，共同如何建立数字影像艺术博物馆的收藏，18年之后的今天，我们的生活与生态都真真切切寄生在数字时代，这也“倒逼”我们再来观察与思考：何为数字时代？何为数生态？何为数字艺术？特别是我们共同经历了三年疫情，数字生活与数字生态构成了我们日常的“数字生存”“数字”已经是我们日常生活的组成部份，因此“数字生存”下的“数字生态”就显得更为重要了，在数字生态当中如何反观我们的生活与艺术呢？如何用我们的数字艺术形式和语言表达我们惊心动魄的生活呢？如何表达我们今天生活在数字时代的生态呢？所有这一切都是我们这个时代策展人和艺术家共同要面对的问题。他以“变革”“创新”“赋能”和“培育”四个方面的数字生态的理念与数字艺术的案例进行层层分析，最后，他提出，“策展与未来”活动举办的意义就是要我们策展人注重把当代文化的创意，深度的体验，生活的美学和数字科技融为一体，来揭示数字时代下的生态，这也是给青年策展人在数字时代带来的命题和使命。

北京画院副研究员王亚楠以《艺术与科技的相遇——数字时代的展览新模式》为题，通过数字时代下，艺术何为、展览何为、策展何为、公共服务何为四个话题展开讨论，分享了国内外的优秀案例，同时对艺术的边界，展览的未来，公共服务的可能性等问题展开思考。例如AI作品是否属于艺术品？未来是否人人都能成为策展人？沉浸式体验最重要的是视觉冲击还是优质内容？最后她提出，数字时代为我们如今的生活提供了更多可能。从策展人的角度出发，我们需要在规避问题的同时，找到合理化的解决方案。例如数字技术要与展览需求、观众需求要相结合；要在“物”的基础上进行合理的视觉呈现；强化优质内容的输出等等。

泰康空间研究员许崇宝以《NFT创作、展示与策展实践》为主题进行发言，他谈道，在数字时代，美术馆的机遇或者使命就是要建立数字化的藏品体系，NFT是数字艺术发展的一个新形态，是整合既有IT技术如区块链、加密、共享的新架构，并非革命性的技术创新。因为疫情的阻隔和催生新市场增长点的需要，NFT备受瞩目。在NFT艺术的创作、展示和策展上，许崇宝向与会嘉宾提出两个问题，一是如何避免在各个环节侵犯正当权益，二是如何建构一个适用于NFT艺术的展示生态，核心问题是把NFT当作工具还是材料？目前在展厅里看一堆屏幕和声光电的NFT展示和策展，与改革开放之初人们将电冰箱放在客厅而不是厨房一样。

四川美术学院美术馆学术部研究人员符周阳通过《中国数字人文发展中当代艺术的参与方式研究》进行了发言，她介绍了数字人文视野中的艺术场域、新美学与计算机艺术、数字人文视野中的当代艺术。她认为，在当下，艺术就是提醒我们重新去思考数字时代，把数字当作文化去思考，不断提醒我们处在什么样的时代。如果说在这样高速发展的数字时代中，艺术遭遇了技术、现代展览体制的双重挤压，如果我们还要相信艺术的力量，那么艺术的反思和问题意识或许是最重要的。在数字时代探索人文气息，保持问题意识和反思精神，是广义数字人文概念在艺术创作、批评和策展中的扩展。

湖北美术学院视觉艺术设计学院教师吴悦聚焦在《艺术展览中的时空叙事》，她分析了目前线上展览的几种形式，从网络叙事的理论出发，探讨具身性在线上空间能否通过互动得到补偿。她认为，考察互联网叙事对展览建构的意义或许能够打破目前线上叙事空间的局限性。如果说线下展览提供了完全无法比拟的在场性，通过感官的震撼与空间叙事完成展览的意义建构，那么线上展览可以通过网络的叙事语言，为观众提供独一无二的参与性，完成属于观众自身的叙事文本，从而为观众提供属于线上展览的独特体验。最后，从网络时空叙事角度出发，她也提供了几个线上展览的发展思路，即观众的自我叙事、超文本的叙事、互动叙事。

天津美术学院美术馆策展人于童探讨的是《碎片化语境下策展人、艺术家、观众身份间的转化》，并分享了她参与策划的沉浸式影像展《惊鸿之殿—来自北凉敦煌的问候》，她指出，运用科学技术呈现的展览与传统展览，也许在面对碎片化语境的今天，讲故事仍很重要，但是科学技术的繁荣应用却可以让平面化的艺术语言不再停留在二维层面，向立体化去演变，策展人、艺术家、观众都可以去身份互换，都可以成为彼此。所以，就我个人而言，我认为科技的加入，打破了策展人、艺术家和观众传统的单一线性传播模式，真正的让高高在上的艺术作品走向了观众的生活。

中央美院实验艺术学院教师陈抱阳以《增强现实技术在展览空间中的探索》为题并结合策展经验进行了发言。他观察到近年来大型展览正积极探索与城市空间深度融合的现象，并试图厘清所遇到的挑战：艺术活动需调和交通枢纽、商业中心、公园景观等市政设施既有的公共属性，还需考虑对环境的影响；现阶段的线上（数字）手段尚不能有效满足展览在地性的需求。为尝试解决上述问题，陈抱阳提出使用增强现实技术（AR）作为新的有效手段。具体而言，实践者使用数字内容填充物理空间，艺术活动可以高效的与空间产生联系，从而避免对物理空间不必要的侵占以及功能定位的修改，减弱对环境产生不可逆的负面影响。他还指出，增强现实技术可以提高空间的利用率，在有限的物理空间内向观众展示更丰富的艺术内容；也给创作者提供跨越时空的可能性，不同的艺术活动可以在相同空间里汇聚。他认为增强现实技术是符合可持续发展方略的，艺术家在自然环境中进行创作，应尊重环境本身的状态，并对此进行了举例说明。例如通过增强现实的手段，艺术活动可以与一片森林产生较强的关联，但是不会主动改变森林的自然生态。最后，陈抱阳总结到，增强现实是人类进入类黑客帝国想象之前，将数字世界与物理世界有效结合的方法。

第四场座谈活动圆桌讨论环节现场，现场发言人从左至右为：高敬、刘礼宾、王亚楠、张晴、许崇宝、陈抱阳；符周阳、于童、吴悦线上连线并参与讨论

本场活动评议人中央美术学院教授刘礼宾总结说：“张晴馆长谈了数字时代下的艺术生态，关于数字艺术，张馆长认为不要过于强调数字艺术的本体，因为整个社会都已经数字化了，这提供了一个更加宏观的‘生态’，也是艺术创作所面临的现状。张馆长主要从变革、创新、赋能、培育四个方面谈到了数字时代的艺术生态，列举了中国美术馆的展览案例，以及在18年前对于数字艺术的推出和倡导。可以设想，如果18年前的倡导当时变为现实，现在数字艺术应该有不同的发展面貌。王亚楠副研究员，谈到数字艺术何为？展览何为？策展何为？公共服务何为？主要谈及时代所提供的技术、理念，以及思维对于艺术的改变，比如艺术创作的改变，展览结构方式的改变等。针对如何为公共服务的问题，她列举了大量的案例，也提出了自己的思考。许崇宝研究员，他以NFT这样一个艺术创作样式作为核心，从数字艺术对人感知方式的改变，谈到数字收藏品的问题，列举‘数字广场’项目在技术迭代情况下的现状。重点指出了NFT艺术存在的问题：区块链技术如何破解地域乃至国家限制？指出NFT作品展览中‘老瓶装新药’的展览样式问题，虚拟美术馆所构建的展览观感受不佳等问题。符周阳老师讨论了‘数字美学’的概念，包括美术馆对于技术逻辑的吸取和大量使用，梳理了数字美学的发展历程。在美术馆领域和策展领域，数字美学是值得深入思考的问题。也是当下和未来一个特别关键和核心的问题。数字世界和现实的关系如何把握？数字世界与现实世界相比较，有什么悖谬，有哪些新意？其构建逻辑哪方面超出了现实社会的规则？这都是我们亟待思考的问题。‘碎片化’作为《第三次浪潮》提出的重要问题，于童老师将其作为虚拟策展的重要理念之一。‘碎片化’现在是讨论特别多的问题。于童老师在策划敦煌展览的时候，更多的是作为一位美术馆人，谈到通过讲故事的方法，科技的加强，对科技人员意见的采纳等方式，提升了展览效果，这是否是‘碎片化’的本意？值得商榷。因为这些都是策展的所要进行的技术性工作，似乎不是策展理念的重要转变。陈抱阳老师，他作为艺术家和策展人，不介入物理空间进行艺术创作与策展。听个过程中可能大家很困惑，这些在现实中是看不见的展览与作品，怎么完成参观者的介入呢？最后陈抱阳老师给出了方法——VR眼睛的轻便性，给这一创作和策展方式提供了可能性。他所提出的这一‘虚拟和现实实时叠加’的创作和策展模式可能就会变成一个特别重要的现象。”

（图片由主办方提供）

责编：勾晓庆